公演制作の最初の段階は、興味深い舞台イメージを作り出す方法を見つけるための実験と研究の期間です。私が特にSPACで気に入っているのは、全員がアイデアの探求に参加することです。演出家が最初からト書きを通じていくつかの要素を決めてはいましたが、俳優たちは演技の提案において大きな自由を持っています。各自が自分の想像力や関心に基づいたインスピレーションを提案し、それぞれの貢献が作品を形作っていきました。
例えば、渡邊清楓さんはアイドルのためのダンスへの情熱を私たちと共有してくれました。彼女は、猿たちがリーダーを応援するために「オタ芸」を踊るというアイデアを提案しました。そのため、彼女は私たちにいくつかのダンスを教えてくれました。私自身、この文化についてあまり知らなかったので、とても興味深い体験でした。

SPACでは、過去に成功した技法を繰り返すのではなく、常に新しい試みを追求することを重視しています。多くの劇団は自らの美学をあまり変えようとしません。それは観客の固定層を確保し、成功と経済的安定を保証するためです。これは決して新しいことではありません。例えば、古代ローマの演劇では、公演の構成やキャラクターの archetype（アーキタイプ）がほぼ決まっていました。観客はすでに知っている要素を楽しみ、その中での小さな変化に喜びを見出していました。

また、観客の楽しみは宗教儀式の円滑な進行にも不可欠でした。劇は神々への捧げ物であり、観客がその作品を楽しめなければ、神々と共に喜びや娯楽の時間を共有することができず、人間の世界と天上の世界とのつながりが生まれませんでした。そのため、この演劇は次第に観客の期待に応える形で固定化されていき、やがて観客の関心を失い、最終的にはヨーロッパで演劇が完全に消滅する（あるいはごくわずかにしか存在しなくなる）までに至りました。この期間は「演劇の暗黒時代」と呼ばれています。
だからこそ、私は常に実験を続けることが不可欠だと考えています。新しい可能性を探求することでしか、演劇が生き続け、進化し続けることはできません。SPACは過去の作品の枠を超えて新たな挑戦をし続けています。その姿勢は、私の今後の演出活動においても模範とすべきものだと感じています。
　
このようにして、海を表現するために、SPACではこれまでにない新しい方法を考えました。大きな布を揺らす、地面に青い四角を置く、床に水をまくといった表現はすでに試されていました。
まず最初に、私たちはそれぞれ「海」を連想させる参考資料を持ち寄りました。提案されたアイデアの多様性には驚かされました。画像、ポストカード、漫画、絵本、アニメのオープニング、海をテーマにしたテーマパークのマップなど、さまざまなものが集まりました。

こうして集まったアイデアをもとに、「海のチーム」（海の表現方法を研究する役割を持った俳優のグループ）が多くの試みを行いました。彼らは、舞台装置を使って海を表現するのではなく、グループの一人一人の身体を使って海のイメージを作り出すことを考えました。各俳優が波となり、互いに隣り合わせることで、海の全体像が生まれるというものです。しかし、「波」になるとはどういうことなのでしょうか？
　
いくつかの提案が出される中、大道無門優也さんのアイデアがとてもユニークで面白かったです。彼は青いビニール袋に入り、白い手袋をはめて波の泡を表現しようとしました。

最終的に、「海のチーム」は竹を波の象徴として使ってみることに決めました。このアイデアは非常に独創的で、想像力の限界を押し広げるものでした。私自身、海をまっすぐで硬い木の棒で表現するという発想はまったくありませんでした。このアイデアには驚嘆し、まさに天才的だと思いました。

　
さらに、海のイメージを強化するために、小道具として魚のネックレス、船のヘルメット、波模様のマスク、ゴーグルなどが加えられました。これらのアイデアは、私がSPACに滞在して以来、最も面白いもののひとつでした！

　
「海のチーム」は、大きな鳥・ジャターユスの表現を担当するチームと同じメンバーで構成されていたため、彼らは舞台演出に関しても類似したアプローチを考えました。それは、舞台上のほぼすべての空間を占めるほどの巨大な鳥を表現することでした。
　
最初のアイデアは、俳優一人一人が鳥の体を構成する羽になるというものでした。このアイデアは興味深いものでしたが、視覚的に説得力が不足していました。そこで、彼らは二つの提案をしました。一つ目は、大きな布を使って巨大なパペット（操り人形）を作るというものでした。このアイデアは、ジャターユスを荘厳な鳥として表現することができましたが、シーンの状況に対して流動的すぎる印象を与えてしまいました。また、屋外での公演のため、風の影響で操作が難しくなる可能性がありました。

　
二つ目の提案は、俳優たちが羽となるアイデアを継続しつつ、巨大な翼をよりはっきりと形作るために、ダンボールで作られた翼を装着するというものでした。この方法は、非常に美しく迫力のある演出を生み出しました。私自身も試してみましたが、この表現の難しさは、グループの調和と協調性にあると感じました。

　
しかし、私たちはまるで一つの体として結ばれたかのように感じ、練習を重ねるうちに、互いの動きが自然と調和するようになりました。私にとって興味深い経験だったのは、彼らが日本語で説明しているときは、正確に何を目指しているのか理解するのが難しかったのに、実際に鳥の羽の一部として動いてみると、すべてが明確になったことです。まるで一つのエネルギーの流れがあり、後ろの人から動きの力が伝わり、それを前の人へとつなげていくような感覚でした。

もし私が彼らと同じくらい日本語を話せたとしたら、この身体的・エネルギー的なつながりを作ることは逆に難しかったのではないかと考えてしまいます。というのも、日本語が完璧だったら、動きが言葉に支配され、グループとの直感的な結びつきではなく、言葉の指示による結果になってしまうかもしれないからです。今度はフランス語で、あるいはさらに日本語を上達させた上で、この経験を再び試してみたいと思います。
　
ラーマーヤナの物語では、王子ラーマが魔法の猿たちに助けられます。これらの猿は物語の中で重要な役割を持っているため、ムーバーたちは早い段階からその表現方法に興味を持っていました。しかし、私がフランスで見てきたアプローチとは逆の方法が取られていることに驚きました。フランスでは、通常、まずテキストとキャラクターの心理を深く掘り下げた後に、姿勢や動きを研究します。しかし、SPACでは、最初の実験は空間における身体の探求から始まりました。ラーマーヤナの猿たちはどのように移動し、どのように群れで生活するのか？

最初の段階では、実際の猿の動きを正確に再現するのではなく、独自の身体表現を構築することが目的でした。そこで、私たちは多くのエクササイズを行い、身体の動きの可能性や限界を探りました。私はピナ・バウシュにインスピレーションを受けた、タンツテアターの授業でよく行っていたトレーニング「モンスター」を提案しました。これは、一つの塊のような有機的な集合体が空間を移動し、まるで一つの身体のように見える動きの練習です。グループの各メンバーは自由に動くことができますが、常に誰かの体の一部と接触していなければなりません。

　
実際、猿たちは多くのコミュニケーションを接触を通じて行い、触れ合うことで社会的な関係を築きます。猿の群れでは、社会的地位が高い個体ほど、他の猿との身体的接触を求める傾向があります。このエクササイズは、猿たちの合唱的な動きを探求する最初のステップとして有用であり、猿チームがさまざまなバリエーションを加えて、集団移動の仕組みを試す様子を見られたのは嬉しいことでした。

　
その後、猿チームは、猿の行動や生態について多くのリサーチを行いました。彼らは猿の映像を観察し、その動きを再現しようと試みました。また、猿の姿をより理解するためにスケッチを描いたり、生活習性について調査したりしました。そして、それらの研究をもとにキャラクターの心理を作り上げていきました。さらに、彼らは釣り糸を手に結びつけることで、操作可能な柔軟な尻尾を作るという創造的な工夫をしました。この尻尾によって、俳優たちは新しい動きの制約を受け、それを面白がりながら演技に取り入れていました。

また、猿たちにどの程度の「人間らしさ」を持たせるのかという議論もありました。完全に猿らしく、誇張された演技をすべきなのか？それとも、人間と猿の中間的な存在なのか？あるいは、単に尻尾を持つ人間として表現すべきなのか？

私個人の考えでは、リアルな猿の表現にはあまり演劇的な探求の価値がないように思います。それは単なる模倣であり、新しい動きを実験する可能性を閉ざしてしまうからです。さらに、観客がすでに知っている動物をただ再現するだけでは、新鮮な驚きを提供することはできません。それに加えて、このような自然主義的な表現はすでに多くの劇団によって探究され尽くしています。

私が面白いと思うのは、演劇の「約束ごと」を利用することです。たとえば、もし舞台上で「このペンは牛です」と言ったとします。そのペンは牛の姿や動きとはまったく異なりますが、演劇の枠組みの中では、観客はそれを「牛」として受け入れようとします。しかし、それは演出側が押し付けた「牛」ではなく、観客自身が想像し作り上げる「牛」なのです。つまり、観客一人ひとりが異なる「牛」をそのペンの中に見ることになります。

同じように、「このキャラクターは猿です」と宣言すれば、どのような動きであっても、観客はそれを猿として認識するでしょう。であれば、従来の猿のイメージにとらわれず、観客の想像力を刺激する猿を表現したほうが面白いのではないでしょうか？ 例えば、猿の動きがクモやゾウを彷彿とさせるものだったら、観客の中にどのようなイメージが生まれるでしょう？ あるいは、猿が完全に人間のように振る舞い、尻尾だけが違いを示すような演出をしたら、どんな印象を与えるでしょう？

さて、ここで読者の皆さんにも質問をしたいと思います。もしあなたがこの作品の俳優だったら、猿をどのように表現するでしょうか？

　

Janelle RIABI

『ラーマーヤナ物語』
https://festival-shizuoka.jp/program/ramayana/
公演日時：4月29日（火・祝）、5月2日（金）、5月3日（土・祝）、5月4日（日・祝）、5月5日（月・祝）、5月6日（火・休）各日18:45開演
上演時間：90分（予定）
上演言語／字幕：日本語／英語字幕あり
座席：全席指定（予定）
原作：ヴァールミーキ仙
構成・演出：宮城聰